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Lucio Fontana. "Concepto spaziale", 1965. China ink on paper. Dimensions: 30 x 20 cm. with certificate. This is a preparatory work that is represented in this picture on a double face, that is, the front and the back. It was acquired in Rome, at the art gallery "Il Segno". Good conditions. Lucio Fontana (Italian: 9 February 1899 – 7 September 1968) was an Argentine-Italian painter, sculptor and theorist. He is mostly known as the founder of Spatialism. Born in Rosario, province of Santa Fe, Argentina to Italian immigrant parents, he was the son of the sculptor Luigi Fontana (1865 — 1946). Fontana spent the first years of his life in Argentina and then was sent to Italy in 1905, where he stayed until 1922, working as a sculptor with his father, and then on his own. Already in 1926, he participated in the first exhibition of Nexus, a group of young Argentine artists working in Rosario de Santa Fé. In 1927 Fontana returned to Italy and studied alongside Fausto Melotti under the sculptor Adolfo Wildt, at Accademia di Brera from 1928 to 1930. It was there he presented his first exhibition in 1930, organized by the Milan art gallery Il Milione. During the following decade he journeyed in Italy and France, working with abstract and Expressionist painters. In 1935 he joined the association Abstraction-Création in Paris and from 1936 to 1949 made Expressionist sculptures in ceramic and bronze. In 1939, he joined the Corrente, a Milan group of Expressionist artists. In 1940 he returned to Argentina. In Buenos Aires (1946) he founded the Altamira academy together with some of his students, and made public the White Manifesto, where it is stated that "Matter, colour and sound in motion are the phenomena whose simultaneous development makes up the new art". In the text, which Fontana did not sign but to which he actively contributed, he began to formulate the theories that he was to expand as Spazialismo, or Spatialism, in five manifestos from 1947 to 1952. Upon his return from Argentina in 1947, he supported, along with writers and philosophers, the first manifesto of spatialism (Spazialismo)**. Fontana had found his studio and works completely destroyed in the Allied bombings of Milan, but soon resumed his ceramics works in Albisola. In Milan, he collaborated with noted Milanese architects to decorate several new buildings that were part of the effort to reconstruct the city after the war. Following his return to Italy in 1948 Fontana exhibited his first Ambiente spaziale a luce nera ('Spatial environment') (1949) at the Galleria del Naviglio in Milan, a temporary installation consisting of a giant amoeba-like shape suspended in the void in a darkened room and lit by neon light. from 1949 on he started the so-called Spatial Concept or slash series, consisting in holes or slashes on the surface of monochrome paintings, drawing a sign of what he named "an art for the Space Age". He devised the generic title Concetto spaziale ('spatial concept') for these works and used it for almost all his later paintings. These can be divided into broad categories: the Buchi ('holes), beginning in 1949, and the Tagli ('slashes'), which he instituted in the mid-1950s. Fontana often lined the reverse of his canvases with black gauze so that the darkness would shimmer behind the open cuts and create a mysterious sense of illusion and depth. He then created an elaborate neon ceiling called "Luce spaziale" in 1951 for the Triennale in Milan. In his important series of Concetto spaziale, La fine di Dio (1963–64), Fontana uses the egg shape. with his Pietre (stones) series, begun in 1952, Fontana fused the sculptural with painting by encrusting the surfaces of his canvases with heavy impasto and colored glass. In his Buchi (holes) cycle, begun in 1949–50, he punctured the surface of his canvases, breaking the membrane of two-dimensionality in order to highlight the space behind the picture. from 1958 he purified his paintings by creating matte, monochrome surfaces, thus focusing the viewer's attention on the slices that rend the skin of the canvas. In 1959 Fontana exhibited cut-off paintings with multiple combinable elements (he named the sets quanta), and began Nature, a series of sculptures made by cutting a gash across a sphere of terracotta clay, which he subsequently cast in bronze. Fontana engaged in many collaborative projects with the most important architects of the day, in particular with Luciano Baldessari, who shared and supported his research for Spatial Light – Structure in Neon (1951) at the 9th Triennale and, among other things, commissioned him to design the ceiling of the cinema in the Sidercomit Pavilion at the 21st Milan Fair in 1953. Around 1960, Fontana began to reinvent the cuts and punctures that had characterized his highly personal style up to that point, covering canvases with layers of thick oil paint applied by hand and brush and using a scalpel or Stanley knife to create great fissures in their surface. In 1961, following an invitation to participate along with artists Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis, and others in an exhibition of contemporary painting entitled "Art and Contemplation", held at Palazzo Grassi in Venice, he created a series of 22 works dedicated to the lagoon city. He manipulated the paint with his fingers and various instruments to make furrows, sometimes including scattered fragments of Murano glass. Fontana was subsequently invited by Michel Tapié to exhibit the works at the Martha Jackson Gallery in New York. As a consequence of his first visit to New York in 1961, he created a series of metal works, done between 1961 and 1965. The works consisted of large sheets of shiny and scratched copper, pierced and gouged, cut through by dramatic vertical gestures that recall the force of New York construction and the metal and glass of the buildings. Among Fontana's last works are a series of Teatrini (‘little theatres’), in which he returned to an essentially flat idiom by using backcloths enclosed within wings resembling a frame; the reference to theatre emphasizes the act of looking, while in the foreground a series of irregular spheres or oscillating, wavy silhouettes creates a lively shadow play. Another work from that time, Trinità (Trinity) (1966), consists of three large white canvases punctuated by lines of holes, embraced in a theatrical setting made from ultramarine plastic sheets vaguely resembling wings. In the last years of his career, Fontana became increasingly interested in the staging of his work in the many exhibitions that honored him worldwide, as well as in the IDEA of purity achieved in his last white canvases. These concerns were prominent at the 1966 Venice Biennale, for which he designed the environment for his work. At Documenta IV in Kassel in 1968, he positioned a large, plaster slash as the centre of a totally white labyrinth, including ceiling and floor (Ambiente spaziale bianco). Shortly before his death he was present at the "Destruction Art, Destroy to Create" demonstration at the Finch College Museum of New York. Then he left his home in Milano and went to Comabbio (in the province of Varese, Italy), his family's mother town, where he died in 1968. .
Lucio Fontana. "Concepto spaziale", 1965. China-Tusche auf Papier. Abmessungen: 30 x 20 cm. mit Zertifikat. Es handelt sich um eine vorbereitende Arbeit, die in diesem Bild auf einer Doppelseite, d.h. auf der Vorder- und Rückseite, dargestellt ist. Es wurde in Rom, in der Kunstgalerie "Il Segno", erworben. Gute Bedingungen. Lucio Fontana (italienisch: 9. Februar 1899 - 7. September 1968) war ein argentinisch-italienischer Maler, Bildhauer und Theoretiker. Er ist vor allem als Begründer des Spatialismus bekannt. Er wurde in Rosario, Provinz Santa Fe, Argentinien, als Sohn italienischer Einwanderer geboren und war der Sohn des Bildhauers Luigi Fontana (1865 - 1946). Fontana verbrachte die ersten Jahre seines Lebens in Argentinien und wurde dann 1905 nach Italien geschickt, wo er bis 1922 blieb und zunächst mit seinem Vater, dann allein als Bildhauer arbeitete. Bereits 1926 nahm er an der ersten Ausstellung von Nexus teil, einer Gruppe junger argentinischer Künstler, die in Rosario de Santa Fé arbeiteten. 1927 kehrte Fontana nach Italien zurück und studierte von 1928 bis 1930 an der Accademia di Brera neben Fausto Melotti bei dem Bildhauer Adolfo Wildt. Dort präsentierte er 1930 seine erste Ausstellung, die von der Mailänder Kunstgalerie Il Milione organisiert wurde. In den folgenden zehn Jahren reiste er durch Italien und Frankreich und arbeitete mit abstrakten und expressionistischen Malern zusammen. 1935 trat er der Vereinigung Abstraction-Création in Paris bei und schuf von 1936 bis 1949 expressionistische Skulpturen aus Keramik und Bronze. 1939 schloss er sich der Corrente an, einer Mailänder Gruppe expressionistischer Künstler. Im Jahr 1940 kehrte er nach Argentinien zurück. In Buenos Aires (1946) gründete er zusammen mit einigen seiner Schüler die Altamira-Akademie und veröffentlichte das Weiße Manifest, in dem es heißt: "Materie, Farbe und Klang in Bewegung sind die Phänomene, deren gleichzeitige Entwicklung die neue Kunst ausmacht". In diesem Text, den Fontana nicht unterzeichnete, an dem er aber aktiv mitarbeitete, begann er, die Theorien zu formulieren, die er als Spazialismo oder Spatialismus in fünf Manifesten zwischen 1947 und 1952 ausbauen sollte. Nach seiner Rückkehr aus Argentinien im Jahr 1947 unterstützte er zusammen mit Schriftstellern und Philosophen das erste Manifest des Spazialismo**. Fontana fand sein Atelier und seine Werke bei den alliierten Bombenangriffen auf Mailand völlig zerstört vor, nahm aber bald darauf seine keramischen Arbeiten in Albisola wieder auf. In Mailand arbeitete er mit bekannten Mailänder Architekten zusammen, um mehrere neue Gebäude zu gestalten, die Teil der Bemühungen um den Wiederaufbau der Stadt nach dem Krieg waren. Nach seiner Rückkehr nach Italien stellte Fontana 1948 in der Galleria del Naviglio in Mailand sein erstes Ambiente spaziale a luce nera ("Räumliches Umfeld") (1949) aus, eine temporäre Installation, die aus einer riesigen amöbenartigen Form bestand, die in einem abgedunkelten Raum in der Leere schwebte und von Neonlicht beleuchtet wurde. Ab 1949 begann er mit der so genannten Spatial Concept oder Slash-Serie, die aus Löchern oder Schlitzen auf der Oberfläche monochromer Gemälde bestand und ein Zeichen für das setzte, was er "eine Kunst für das Weltraumzeitalter" nannte. Er entwickelte für diese Werke den Gattungsnamen Concetto spaziale ('Raumkonzept') und verwendete ihn für fast alle seine späteren Gemälde. Diese lassen sich in grobe Kategorien einteilen: die Buchi ("Löcher"), die 1949 entstanden, und die Tagli ("Schrägstriche"), die er Mitte der 1950er Jahre einführte. Fontana kleidete die Rückseite seiner Leinwände oft mit schwarzer Gaze aus, so dass die Dunkelheit hinter den offenen Schnitten schimmerte und ein geheimnisvolles Gefühl von Illusion und Tiefe erzeugte. Für die Triennale in Mailand schuf er 1951 eine aufwendige Neondecke mit dem Namen "Luce spaziale". In seiner wichtigen Serie Concetto spaziale, La fine di Dio (1963-64), verwendet Fontana die Eiform. Mit seiner 1952 begonnenen Serie Pietre (Steine) verschmolz Fontana das Skulpturale mit der Malerei, indem er die Oberflächen seiner Leinwände mit schwerem Impasto und farbigem Glas verkrustete. In seinem 1949-50 begonnenen Zyklus Buchi (Löcher) durchsticht er die Oberfläche seiner Leinwände und durchbricht so die Membran der Zweidimensionalität, um den Raum hinter dem Bild hervorzuheben. Ab 1958 entschlackt er seine Gemälde, indem er matte, monochrome Oberflächen schafft und so die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Schnitte lenkt, die die Haut der Leinwand durchbrechen. 1959 stellte Fontana abgeschnittene Gemälde mit mehrfach kombinierbaren Elementen aus (er nannte die Sets Quanten) und begann mit der Serie Nature, einer Serie von Skulpturen, die durch das Einschneiden einer Kugel aus Terrakotta-Ton entstanden, die er anschließend in Bronze goss. Fontana arbeitet in zahlreichen Projekten mit den wichtigsten Architekten seiner Zeit zusammen, insbesondere mit Luciano Baldessari, der ihn bei seinen Recherchen für Spatial Light - Structure in Neon (1951) auf der 9. Triennale unterstützt und ihn unter anderem mit der Gestaltung der Decke des Kinos im Sidercomit-Pavillon auf der 21. Mailänder Messe 1953 beauftragt. Um 1960 begann Fontana, die Schnitte und Einstiche, die bis dahin seinen sehr persönlichen Stil geprägt hatten, neu zu erfinden. Er überzog die Leinwände mit Schichten aus dicker Ölfarbe, die er mit der Hand und dem Pinsel auftrug, und benutzte ein Skalpell oder Stanley-Messer, um große Risse in der Oberfläche zu erzeugen. 1961 folgte er einer Einladung, zusammen mit den Künstlern Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis und anderen an einer Ausstellung zeitgenössischer Malerei mit dem Titel "Kunst und Kontemplation" im Palazzo Grassi in Venedig teilzunehmen, und schuf eine Serie von 22 Werken, die der Lagunenstadt gewidmet waren. Er bearbeitete die Farbe mit seinen Fingern und verschiedenen Instrumenten, um Furchen zu ziehen, die manchmal auch verstreute Fragmente von Muranoglas enthielten. Fontana wurde anschließend von Michel Tapié eingeladen, die Werke in der Martha Jackson Gallery in New York auszustellen. Als Folge seines ersten Besuchs in New York im Jahr 1961 schuf er eine Reihe von Metallarbeiten, die zwischen 1961 und 1965 entstanden. Die Werke bestehen aus großen, glänzenden und zerkratzten Kupferplatten, die von dramatischen vertikalen Gesten durchbrochen sind, die an die Kraft des New Yorker Bauwesens und an das Metall und Glas der Gebäude erinnern. Zu Fontanas letzten Werken gehört eine Serie von Teatrini ("kleine Theater"), in denen er zu einer im Wesentlichen flachen Formensprache zurückkehrt, indem er Rückentücher verwendet, die von rahmenähnlichen Flügeln umschlossen sind; der Verweis auf das Theater betont den Akt des Betrachtens, während im Vordergrund eine Reihe von unregelmäßigen Kugeln oder oszillierenden, wellenförmigen Silhouetten ein lebendiges Schattenspiel erzeugen. Ein weiteres Werk aus dieser Zeit, Trinità (Dreifaltigkeit) (1966), besteht aus drei großen weißen Leinwänden, die von Lochreihen unterbrochen werden und in einen theatralischen Rahmen aus ultramarinblauen Plastikfolien eingefasst sind, die vage an Flügel erinnern. In den letzten Jahren seiner Karriere interessierte sich Fontana zunehmend für die Inszenierung seiner Werke in den zahlreichen Ausstellungen, die ihn weltweit ehrten, sowie für die IDEE der Reinheit, die er mit seinen letzten weißen Leinwänden erreichte. Diese Anliegen standen bei der Biennale von Venedig 1966 im Vordergrund, für die er das Umfeld für seine Arbeiten gestaltete. Auf der Documenta IV in Kassel 1968 stellte er einen großen Gipsschnitt in den Mittelpunkt eines komplett weißen Labyrinths, einschließlich Decke und Boden (Ambiente spaziale bianco). Kurz vor seinem Tod war er bei der Demonstration "Destruction Art, Destroy to Create" im Finch College Museum in New York anwesend. Dann verließ er sein Haus in Mailand und ging nach Comabbio (in der Provinz Varese, Italien), dem Heimatort seiner Familie, wo er 1968 starb. .
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